kamîm tuhut

curator/curadora ​and ​Sonic and visual composer, weaver - I make hand-knit pieces - and experimental artist. I compose sonic and visual pieces, sonic films, tales, stories and imaginations; I research the practice of experimental cinema and the survival of images, their presence, appearances, persistence, their generational transmissions and their movement in the fabric of space-time and beyond. I was born and raised in Jequié in Bahia/Brazil and have Kiriri-Tupinambá indigenous peoples origin. ​Currently living and working in São Paulo Capital City/Brazil. / Compositora sônica e visual, tecelã – confecciono peças de tricô manuais – e artista experimental.Componho peças sonoras e visuais, filmes sônicos, contos, histórias e imaginações; pesquiso a prática do cinema experimental e a sobrevivência das imagens, sua presença, aparições, persistência, transmissões geracionais e seus movimentos no tecido do espaço-tempo e além. Nasci e cresci em Jequié na Bahia/Brasil. Tenho origem indígena Kiriri-Tupinambá. Atualmente vivo e trabalho em São Paulo Capital/Brasil.

Artist and Art Teacher. Born and raised in São Paulo/Brazil. His hybrid artistic practice articulates relationships between sound, image, and interactivity, through installations, sound pieces, scores, drawings, etc. / Artista e arte-educador. Nascido e criado em São Paulo/Brasil. Sua prática artística híbrida articula relações entre som, imagem e interatividade, através de instalações, peças sonoras, partituras, desenhos etc.

Walla Capelobo is a dark forest and fertile mud. A multidisciplinary artist experimenting with ceramics, installations, videos, texts, workshops, and performances. Capelobo's work is characterized by time, the flow of physical and/or spiritual energy surrounding the earth through the exchange of minerals, technologies and regenerations. Their practice addresses sensitive issues of existence, supported by Afro-Indigenous South American technologies, speculative ecologies, present-day archaeologies, dreams, and delusions. Capelobo has participated in residencies such as Organismo TBA21 - Academy Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Madrid, Spain), South to South: A Meeting on African and Afro-Diasporic Technologies (Brazil, RD Congo, and Germany), AI Anarchies at the Junge Akademie, Akademie der Künste (Berlin, Germany), LabVerde (Amazon, Brazil), Matéria Abierta (Mexico City, Mexico), CACis (Barcelona, Spain), Pivô Arte e Pesquisa (São Paulo, Brazil), and the Institute for Postnature (Madrid, Spain). / Walla Capelobo é uma floresta escura e lama fértil. Um(a) artista multidisciplinar que experimenta com cerâmica, instalações, vídeos, textos, oficinas e performances. O trabalho de Capelobo é caracterizado pelo tempo e pelo fluxo de energia física e/ou espiritual que envolve a Terra por meio da troca de minerais, tecnologias e regenerações. Sua prática aborda questões sensíveis da existência, apoiada em tecnologias afro-indígenas sul-americanas, ecologias especulativas, arqueologias do presente, sonhos e delírios. Capelobo participou de residências como Organismo TBA21 - Academy Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Madri, Espanha), South to South: A Meeting on African and Afro-Diasporic Technologies (Brasil, RD Congo e Alemanha), AI Anarchies na Junge Akademie, Akademie der Künste (Berlim, Alemanha), LabVerde (Amazônia, Brasil), Matéria Abierta (Cidade do México, México), CACis (Barcelona, Espanha), Pivô Arte e Pesquisa (São Paulo, Brasil) e o Institute for Postnature (Madri, Espanha).

Osmar Domingos holds a degree in Philosophy from Universidade Federal de Santa Catarina/Brazil (2020) and trained in Sculpture at Escola de Artes Visuais do Parque Lage/Rio de Janeiro/Brazil (2019–2023), where he worked as a teaching assistant in his final year. His artistic practice explores the negative spaces around discourses — absences, failures, power dynamics, and obliteration — transforming them into objects, videos, photograms, and digital simulations. / Osmar Domingos é formado em Filosofia pela Universidade Federal de Santa Catarina (2020) e estudou Escultura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage/Rio de Janeiro (2019–2023), onde atuou como assistente de ensino em seu último ano. Sua prática artística explora os espaços negativos em torno dos discursos — ausências, falhas, dinâmicas de poder e obliteração — transformando-os em objetos, vídeos, fotogramas e simulações digitais.

Marie-Andrée Pellerin, born in Montreal/Canada, lives and works in Linz/Austria. artist and researcher, explores language, acoustic territories, and science fiction literature while distancing herself from speculative methods. After a stay in the Moroccan desert in the spring of 2024, the wind—both as a visual and acoustic phenomenon—became the focal point of her work. The experience of extreme weather phenomena shapes her current installations, object-based works, videos, and performances, which increasingly engage with the chaotic nature of wind and the myth of a controllable environment. Her exhibitions include Kunstforum Wien, Kunstraum Lakeside, Škuc Gallery Ljubljana, D21 Kunstraum Leipzig, Scriptings Berlin, 5020 Salzburg, Atelierhaus Salzamt Linz, and CIRCA Art Actuel in Montreal. She has conducted site-specific research and residencies at CCA Glasgow, BPS22 Museum, Seoul Art Space Geumcheon, and Studio XX. In 2026, she will participate in the BMKOES residency in NYC (international studio program). She was awarded the Micheline Coulombe Saint-Marcoux Award in 2024, which honors female or non-binary electroacoustic artists. / Marie-Andrée Pellerin, nascida em Montreal/Canadá, vive e trabalha em Linz/Áustria. Artista e pesquisadora, explora a linguagem, os territórios acústicos e a literatura de ficção científica, ao mesmo tempo em que se distancia de métodos especulativos. Após uma estadia no deserto marroquino na primavera de 2024, o vento—como fenômeno visual e acústico—tornou-se o foco central de seu trabalho. A experiência com fenômenos climáticos extremos influencia suas instalações atuais, trabalhos com objetos, vídeos e performances, que cada vez mais lidam com a natureza caótica do vento e o mito de um ambiente controlável. Suas exposições incluem Kunstforum Wien, Kunstraum Lakeside, Škuc Gallery Ljubljana, D21 Kunstraum Leipzig, Scriptings Berlin, 5020 Salzburg, Atelierhaus Salzamt Linz e CIRCA Art Actuel em Montreal. Ela realizou pesquisas específicas para locais e residências no CCA Glasgow, no Museu BPS22, no Seoul Art Space Geumcheon e no Studio XX. Em 2026, participará da residência BMKOES em Nova York (programa internacional de estúdios). Recebeu o Prêmio Micheline Coulombe Saint-Marcoux em 2024, que reconhece artistas eletroacústicas femininas ou não binárias.

Born in 1996. Has experience research focus on understanding hybrid spaces, theories beyond representation, and technologies formed by biological extensions in these experience spaces with the emergence of interactive, dynamic cross-sections that develop over algorithms, cybernetics, artificial life, biodigital and complex systems and create a digital environment. Her studies on cybernetic spatialities also focus on adaptive extensions and interfaces in cybernetic experience spaces, which is her thesis topic. In this context, she aims to combine the integration of architecture, biology, software, and technology with an interdisciplinary approach. She completed her undergraduate education at Istanbul Medipol University, Department of Architecture (2019). She got her master's degree at Gebze Technical University, Department of Architecture (2024). She simultaneously completed her Computer Programming (2023), Graphic Design (2023) and is studying in the Departments of Management Information Systems (-ongoing), Web Design and Coding (-ongoing). Her academic publications have been published in various national and international symposiums (MSTAS 2022; ATI 2022; SIGraDi 2024). She has been the workshop leader for workshops and seminars titled OtopoetiKadıköy (2023), Artificial Layers of Space and Routes (2023), Memory of the Artificial and the City (2024), Road Chronotope and the City (2024), MimED stajIstanbul Hackathon (2024). Recently, she has participated in the exhibitions Soft Discipline, Alan Kadıköy (2023), IMM Media Artist Exhibition, Taksim Sanat (2024), From Sketch to Pixel Digital Art "Anatolia Edition", Galataport (2024), BASE, The Ritz-Carlton (2024), Young Art: 10th Contemporary Art Project, Ankara Art and Sculpture Museum (2024). She is one of the artists of Piksel O’art New Media Artist Residency (2022-23), Sustainable Life Through Arts: Digital Artist Residency Program (2024), SALT: Forecast Condensed Istanbul Program (2024), and one of the directors of MimED stajIstanbul 2024: Istanbul and Contemporary Architectural Practices (2024). / Nascida em 1996, tem experiência em pesquisa com foco na compreensão de espaços híbridos, teorias além da representação e tecnologias formadas por extensões biológicas nesses espaços de experiência. Sua investigação explora o surgimento de interseções interativas e dinâmicas que se desenvolvem por meio de algoritmos, cibernética, vida artificial, sistemas biodigitais e complexos, criando um ambiente digital. Seus estudos sobre espacialidades cibernéticas também se concentram em extensões adaptativas e interfaces em espaços de experiência cibernética, que é o tema de sua tese. Nesse contexto, busca integrar arquitetura, biologia, software e tecnologia com uma abordagem interdisciplinar. Concluiu sua graduação na Universidade Medipol de Istambul, no Departamento de Arquitetura (2019), e obteve seu mestrado na Universidade Técnica de Gebze, também no Departamento de Arquitetura (2024). Paralelamente, concluiu os cursos de Programação de Computadores (2023) e Design Gráfico (2023) e atualmente está cursando os departamentos de Sistemas de Informação Gerencial e Design e Programação para Web. Suas publicações acadêmicas foram apresentadas em diversos simpósios nacionais e internacionais (MSTAS 2022; ATI 2022; SIGraDi 2024). Atuou como líder de workshops e seminários, incluindo **OtopoetiKadıköy** (2023), **Artificial Layers of Space and Routes** (2023), **Memory of the Artificial and the City** (2024), **Road Chronotope and the City** (2024) e **MimED stajIstanbul Hackathon** (2024). Recentemente, participou das exposições **Soft Discipline** no Alan Kadıköy (2023), **IMM Media Artist Exhibition** no Taksim Sanat (2024), **From Sketch to Pixel Digital Art "Anatolia Edition"** no Galataport (2024), **BASE** no The Ritz-Carlton (2024) e **Young Art: 10th Contemporary Art Project** no Museu de Arte e Escultura de Ancara (2024). É uma das artistas do programa de residência artística **Piksel O’art New Media Artist Residency** (2022-23) e do programa **Sustainable Life Through Arts: Digital Artist Residency** (2024). Também participa do **SALT: Forecast Condensed Istanbul Program** (2024) e é uma das diretoras do **MimED stajIstanbul 2024: Istanbul and Contemporary Architectural Practices** (2024).

Enzo Cillo is a new media artist interested in the mechanism of perception and the idea of the image as a set of shapes and distances. His research investigates the meaning of the space within the image. His works try to deconstruct the visible field, emptying it from its meaning. Moving forward he had the opportunity to rethink not only at the video itself but also at the moment when the projection is meant as the spatial extension of the image. His works are exhibited in various museums, participating also to international festivals such as the Transient Visions, ECRA, nodoCCS and Experiments in Cinema. He currently lives and works in Rome/Italy. / Enzo Cillo é um artista de novas mídias interessado no mecanismo da percepção e na ideia da imagem como um conjunto de formas e distâncias. Sua pesquisa investiga o significado do espaço dentro da imagem. Seus trabalhos buscam desconstruir o campo visível, esvaziando-o de seu significado. Ao longo de sua trajetória, teve a oportunidade de repensar não apenas o vídeo em si, mas também o momento em que a projeção é concebida como uma extensão espacial da imagem. Seus trabalhos são exibidos em diversos museus e participam de festivais internacionais, como Transient Visions, ECRA, nodoCCS e Experiments in Cinema. Atualmente, ele vive e trabalha em Roma/Itália.

Michael Betancourt is a contemporary Cuban-American critical theorist, moviemaker, and research artist known for his pioneering work in the fields of Digital Capitalism, Motion Graphics, and Glitch Art. He has explored the intersection of technology, culture, and aesthetics in a diverse practice unified by consistent concerns for the poetic potential of images made by errors since 1990, setting the stage for the contemporary interest in digital processing. This diverse practice is unified by a consistent concern for the poetic potential of the overlooked and neglected images made by errors—physical and virtual eruptions that are commonly ignored and rejected—in both movies and statics that bring the visionary tradition into the present. By emphasizing these origins, his aesthetics encourages the viewer to find poetic meaning in their everyday life. His work with asemic typography (typoetry) has been published in Die Lerre Mitte, To Call magazine, aurapoesiavisual, and Utsanga, and in chapbooks published by Timglaset, Post-Asemic Press, and Redfox Press; his book CMYK won an STA100 award from the Society of Typographic Artists in 2023. / Michael Betancourt é um teórico crítico cubano-americano contemporâneo, cineasta e artista de pesquisa conhecido por seu trabalho pioneiro nos campos do Capitalismo Digital, Motion Graphics e Glitch Art. Ele explorou a interseção da tecnologia, cultura e estética em uma prática diversificada unificada por preocupações consistentes com o potencial poético das imagens criadas por erros desde 1990, preparando o terreno para o interesse contemporâneo no processamento digital. Essa prática diversificada é unificada por uma preocupação constante com o potencial poético das imagens negligenciadas e desconsideradas feitas por erros—erupções físicas e virtuais que comumente são ignoradas e rejeitadas—tanto em filmes quanto em imagens estáticas, trazendo a tradição visionária para o presente. Ao enfatizar essas origens, sua estética encoraja o espectador a encontrar significado poético em sua vida cotidiana. Seu trabalho com tipografia assêmica (typoetry) foi publicado na Die Lerre Mitte, To Call magazine, aurapoesiavisual e Utsanga, além de chapbooks publicados pela Timglaset, Post-Asemic Press e Redfox Press; seu livro CMYK ganhou um prêmio STA100 da Society of Typographic Artists em 2023.

Born in 1969 in Ohrid/Macedonia. Lived and worked in Skopje Works and lives in Cologne since October 2004. She holds a Master of Arts from the Academy of Media Arts Cologne and graduated from the Academy of Fine Arts Skopje. Her work centers on the human experience, exploring the fragmentation of cultures and religions, and issues of identity and alienation. Paskali has received numerous international scholarships and awards and has exhibited her work in many solo and group exhibitions worldwide. / Nasceu em 1969 em Ohrid/Macedônia. Viveu e trabalhou em Skopje. Vive e trabalha em Colônia desde outubro de 2004. Ela possui um Master of Arts pela Academy of Media Arts Cologne e é graduada pela Academy of Fine Arts Skopje. Seu trabalho centra-se na experiência humana, explorando a fragmentação de culturas e religiões, além de questões de identidade e alienação. Paskali recebeu diversas bolsas e prêmios internacionais e expôs seu trabalho em inúmeras exposições individuais e coletivas ao redor do mundo.

Alina Tofan and Yiou Wang are multidisciplinary artists whose works bridge performance, technology, and ecological consciousness. Alina, an actress and researcher, specializes in film, theater, dance, and art therapy. While Yiou, a multimedia visual artist and designer, focuses on CGI animation, mixed realities, and immersive experiences. Alina is pursuing a Ph.D. in Visual Arts at the National University of Arts (UNArte) in Romania, exploring sensory communication and embodiment through performance. As co-founder of the Plastic Art Performance Collective, Alina introduced ecoperformance to Romania, collaborating with TAANTEATRO Company. Alina’s work recycles remnants of globalized capitalism, critically reflecting on Romania’s socio-cultural evolution. Yiou, with an M.Arch from Harvard Graduate School of Design, merges architecture with digital media, crafting transformative narratives that transcend anthropocentric boundaries. Yiou, co-founder of Mixanthropy Art Tech Studio, employs XR, motion capture, and interactive storytelling to challenge Western rationalist frameworks. Yiou’s creations act as conduits between humans and larger living worlds, intertwining myth, technology, and imagination. Both artists push the boundaries of contemporary art, offering immersive and thought-provoking experiences. Alina’s performances have been showcased worldwide, including Ars Electronica 2023, while Yiou’s works have been exhibited at SXSW, SIGGRAPH, and the Asian Media Arts Festival. Together, they redefine artistic exploration by merging tradition with cutting-edge technology. Their works invite audiences into surreal realms where past and future converge, fostering new perspectives on the present. Through movement, digital art, and ecological awareness, they create compelling dialogues between humanity and the environment. / Alina Tofan e Yiou Wang são artistas multidisciplinares cujas obras conectam a performance, tecnologia e consciência ecológica. Alina, uma atriz e pesquisadora, se especializa em cinema, teatro, dança e terapia artística. Yiou, com um M.Arch da Harvard Graduate School of Design, funde arquitetura com mídia digital, criando narrativas transformadoras que transcendem as fronteiras antropocêntricas. Enquanto Yiou, um artista visual e designer multimídia, foca em Animação CGI, realidades mistas e experiências imersivas. Yiou, cofundador da Mixanthropy Art Tech Estúdio, emprega XR, captura de movimento e narrativa interativa para desafiar o racionalismo ocidental. estruturas. As criações de Yiou atuam como condutos entre os humanos e seres vivos maiores. mundos, entrelaçando mito, tecnologia e imaginação. Alina está cursando um doutorado em Artes Visuais na Universidade Nacional de Artes (UNArte) na Romênia. explorando a comunicação sensorial e a corporeidade através da performance. Como cofundadora do Coletivo de Performance de Arte Plástica, Alina introduziu a ecoperformance em Romênia, colaborando com a Companhia TAANTEATRO. O trabalho de Alina recicla os restos do capitalismo globalizado, refletindo criticamente sobre a Romênia. evolução sócio-cultural. Ambas artistas ultrapassam os limites da arte contemporânea, oferecendo experiências imersivas e provocativas. experiências. As performances de Alina foram exibidas mundialmente, incluindo o Ars Electronica. 2023, enquanto as obras de Yiou foram exibidas no SXSW, SIGGRAPH e nas Artes de Mídia Asiáticas Festival. Juntas, elas redefinem a exploração artística ao mesclar tradição com tecnologia de ponta. Seus trabalhos convidam o público a entrar em reinos surreais onde passado e futuro se convergem, promovendo novas perspectivas sobre o presente. Através do movimento, da arte digital e da consciência ecológica, elas criam diálogos envolventes entre a humanidade e o meio ambiente.

Yiou Wang and Alina Tofan are multidisciplinary artists whose works bridge performance, technology, and ecological consciousness. Yiou, a multimedia visual artist and designer, focuses on CGI animation, mixed realities, and immersive experiences. While Alina, an actress and researcher, specializes in film, theater, dance, and art therapy. Yiou, with an M.Arch from Harvard Graduate School of Design, merges architecture with digital media, crafting transformative narratives that transcend anthropocentric boundaries. Yiou, co-founder of Mixanthropy Art Tech Studio, employs XR, motion capture, and interactive storytelling to challenge Western rationalist frameworks. Alina is pursuing a Ph.D. in Visual Arts at the National University of Arts (UNArte) in Romania, exploring sensory communication and embodiment through performance. As co-founder of the Plastic Art Performance Collective, Alina introduced ecoperformance to Romania, collaborating with TAANTEATRO Company. Alina’s work recycles remnants of globalized capitalism, critically reflecting on Romania’s socio-cultural evolution. Yiou’s creations act as conduits between humans and larger living worlds, intertwining myth, technology, and imagination. Both artists push the boundaries of contemporary art, offering immersive and thought-provoking experiences. Alina’s performances have been showcased worldwide, including Ars Electronica 2023, while Yiou’s works have been exhibited at SXSW, SIGGRAPH, and the Asian Media Arts Festival. Together, they redefine artistic exploration by merging tradition with cutting-edge technology. Their works invite audiences into surreal realms where past and future converge, fostering new perspectives on the present. Through movement, digital art, and ecological awareness, they create compelling dialogues between humanity and the environment. / Yiou Wang e Alina Tofan são artistas multidisciplinares cujas obras conectam a performance, tecnologia e consciência ecológica. Yiou, um artista visual e designer multimídia, foca em Animação CGI, realidades mistas e experiências imersivas. Enquanto Alina, uma atriz e pesquisadora, se especializa em cinema, teatro, dança e terapia artística. Yiou, com um M.Arch da Harvard Graduate School of Design, funde arquitetura com mídia digital, criando narrativas transformadoras que transcendem as fronteiras antropocêntricas. Yiou, cofundador da Mixanthropy Art Tech Estúdio, emprega XR, captura de movimento e narrativa interativa para desafiar o racionalismo ocidental. estruturas. Alina está cursando um doutorado em Artes Visuais na Universidade Nacional de Artes (UNArte) na Romênia. explorando a comunicação sensorial e a corporeidade através da performance. Como cofundadora do Coletivo de Performance de Arte Plástica, Alina introduziu a ecoperformance em Romênia, colaborando com a Companhia TAANTEATRO. O trabalho de Alina recicla os restos do capitalismo globalizado, refletindo criticamente sobre a Romênia. evolução sócio-cultural. As criações de Yiou atuam como condutos entre os humanos e seres vivos maiores. mundos, entrelaçando mito, tecnologia e imaginação. Ambas artistas ultrapassam os limites da arte contemporânea, oferecendo experiências imersivas e provocativas. experiências. As performances de Alina foram exibidas mundialmente, incluindo o Ars Electronica. 2023, enquanto as obras de Yiou foram exibidas no SXSW, SIGGRAPH e nas Artes de Mídia Asiáticas Festival. Juntas, elas redefinem a exploração artística ao mesclar tradição com tecnologia de ponta. Seus trabalhos convidam o público a entrar em reinos surreais onde passado e futuro se convergem, promovendo novas perspectivas sobre o presente. Através do movimento, da arte digital e da consciência ecológica, elas criam diálogos envolventes entre a humanidade e o meio ambiente.

Norwegian multimedia artist working at the intersection of performance, sound, and installation. With a background in sculpture and an affinity for industrial materials, she explores themes of alienation, trauma, and the body’s interaction with space. Her performances often integrate dark ambient soundscapes, creating immersive experiences that challenge conventional audience engagement. Rooted in sensory exploration and ritualistic actions, her work blurs the line between presence and absence, material and body, sound and silence. / Artista multimídia norueguesa que trabalha na interseção entre performance, som e instalação. Com formação em escultura e afinidade por materiais industriais, ela explora temas como alienação, trauma e a interação do corpo com o espaço. Suas performances frequentemente integram paisagens sonoras de dark ambient, criando experiências imersivas que desafiam a forma convencional de engajamento do público. Enraizado na exploração sensorial e em ações ritualísticas, seu trabalho borra as fronteiras entre presença e ausência, material e corpo, som e silêncio.

After graduating from NYU's Tisch School of the Arts, Matias Mariani worked extensively as a producer on films such as Sonhos de Peixe (Critics' Week at Cannes), O Cheiro do Ralo (Sundance), and À Deriva (Un Certain Regard at Cannes). In 2014, Matias directed the documentary A Vida Privada dos Hipopótamos, which had its world premiere at FID Marseille and won the Best Editing Award at the Rio de Janeiro International Film Festival. The film was released theatrically in both Brazil and the United States. He then directed the fiction feature Cidade Pássaro, which premiered in the Panorama section of the 2020 Berlin Film Festival and was acquired by Netflix for a worldwide release in July 2020, receiving praise from Variety and The Hollywood Reporter. As a screenwriter, Matias worked on Trago Comigo (Best Film at the Brasília Film Festival), Pendular (FIPRESCI Award at Berlinale 2017), and Cidade Pássaro (Berlinale 2020). In streaming television, Matias directed three episodes of the upcoming Globoplay series O Jogo que Mudou a História in 2022. / Após se formar na Tisch School of the Arts da NYU, Matias Mariani trabalhou extensivamente como produtor em filmes como Sonhos de Peixe (Semana da Crítica de Cannes), O Cheiro do Ralo (Sundance) e À Deriva (Un Certain Regard de Cannes). Em 2014, Matias dirigiu o documentário A Vida Privada dos Hipopótamos, que teve sua estreia mundial no FID Marseille e ganhou o prêmio de Melhor Edição no Festival Internacional de Cinema do Rio de Janeiro, sendo lançado nos cinemas tanto no Brasil quanto nos Estados Unidos. Em seguida, dirigiu o longa-metragem de ficção Cidade Pássaro que estreou na sessão Panorama do Festival de Berlim de 2020 e foi adquirido pela Netflix para lançamento mundial em julho de 2020, recebendo críticas elogiosas da Variety e Hollywood Reporter. Como roteirista, Matias trabalhou em Trago Comigo (melhor filme no Festival de Cinema de Brasília), Pendular (prêmio FIPRESCI no Berlinale 2017) e Cidade Pássaro (Berlinale 2020). Na TV por streaming, Matias dirigiu três episódios para série futura do Globoplay, O Jogo que Mudou a História, em 2022.

Born in São Paulo/Brazil, in 1987, Peters lives and works between São Paulo and Berlin. His works have been exhibited in international institutions and exhibitions such as the Institute of Contemporary Arts Singapore (Singapore, 2019), Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre, Brazil, 2018), Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, Brazil, 2018-2017), Museum of Modern Art of São Paulo [MAM SP] (São Paulo, Brazil, 2018), Do Disturb – Palais de Tokyo (Paris, France, 2018), XXXV International Festival of Uruguay - Cinemateca Uruguaya (Montevideo, Uruguay, 2017), Kunsthaus Wiesbaden (Wiesbaden, Germany, 2014), Oi Futuro (Rio de Janeiro, Brazil, 2014), Museum of Art of Rio [MAR] (Rio de Janeiro, Brazil, 2014), Zacheta National Gallery (Warsaw, Poland, 2013), 1st Montevideo Biennial (Montevideo, Uruguay, 2012), Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo, Brazil, 2012), 17th International Contemporary Art Festival Videobrasil (São Paulo, Brazil, 2011), and the 8th Mercosur Biennial (Porto Alegre, Brazil). Peters received the Special Jury Prize, the Edt Award for Editing and Invention, and the ABD Award for Best Feature Film for Proxy Reverso (shared with Roberto Winter) at the VII Directors' Week of Rio de Janeiro (Rio de Janeiro, Brazil, 2015). His work is part of the Figueiredo Ferraz Collection (Ribeirão Preto, Brazil) and the Konex Collection (Buenos Aires, Argentina), among others. / Nasceu em São Paulo/Brasil, em 1987. Vive e trabalha entre São Paulo e Berlim. Peters teve suas obras expostas em instituições e exposições internacionais como o Instituto de Arte Contemporânea de Singapura (Singapura, 2019), Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre, Brasil, 2018), Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, Brasil, 2018-2017), Museu de Arte Moderna de São Paulo [MAM SP] (São Paulo, Brasil, 2018), Do Disturb – Palais de Tokyo (Paris, França, 2018), XXXV Festival Internacional do Uruguay - Cinemateca Uruguaya (Montevidéu, Uruguai, 2017), Kunsthaus Wiesbaden (Wiesbaden, Alemanha, 2014), Oi Futuro (Rio de Janeiro, Brasil, 2014), Museu de Arte do Rio [MAR] (Rio de Janeiro, Brasil, 2014), Zacheta National Gallery (Varsóvia, Polônia, 2013), 1ª Bienal de Montevidéu (Montevidéu, Uruguai, 2012), Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo, Brasil, 2012), 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea Videobrasil (São Paulo, Brasil, 2011) e na 8ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, Brasil). Peters recebeu os prêmios Especial do Júri, Edt Award de Montagem e Invenção, além do ABD Award de Melhor Longa-Metragem por "Proxy Reverso" (compartilhado com Roberto Winter), na VII Semana dos Diretores do Rio de Janeiro (Rio de Janeiro, Brasil, 2015). Seu trabalho está presente na Coleção Figueiredo Ferraz (Ribeirão Preto, Brasil) e na Coleção Konex (Buenos Aires, Argentina), entre outras.

Born in 1983, São Paulo/Brazil, is an artist with a bachelor's degree in Physics from the University of São Paulo. He is currently the lead web developer at Studio Olafur Eliasson (Berlin). Over the past decade, he has exhibited extensively in museums, galleries, and various other venues, both in Brazil—including MASP (São Paulo), MAR (Rio de Janeiro), Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre), and CCBB (Belo Horizonte)—and internationally, at institutions such as Santander Fundación (Madrid), A4 Arts Foundation (Cape Town), Neuer Berliner Kunstverein (Berlin), matière-revue (Paris), Franklin Street Works (New York), National Gallery of Art (Warsaw), and Galerias Municipais (Lisbon). He co-directed *Proxy Reverso* alongside Guilherme Peters, for which they received the Special Jury Prize and the Editing Award at the VII Directors' Week in Rio de Janeiro in 2015. Roberto wrote and produced *A Role Play*, which was screened, among other places, at the Akademie der bildenden Künste in Vienna, Austria, in 2019. He co-wrote *Cidade Pássaro*, directed by Matias Mariani, which premiered at the 70th Berlin International Film Festival in 2020. He also co-wrote *Rule 34*, which won the Golden Leopard at the 75th Locarno Film Festival in 2022. / Nascido em 1983, São Paulo/Brasil, é um artista com bacharelado em Física pela Universidade de São Paulo, atualmente é o principal desenvolvedor web no Studio Olafur Eliasson (Berlim). Ao longo da última década, ele tem exposto extensivamente em museus, galerias e diversos outros locais, tanto no Brasil — como MASP (São Paulo), MAR (Rio de Janeiro), Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre), CCBB (Belo Horizonte) — quanto no exterior — como Santander Fundación (Madri), A4 Arts Foundation (Cidade do Cabo), Neuer Berliner Kunstverein (Berlim), matière-revue (Paris), Franklin Street Works (Nova York), National Gallery of Art (Varsóvia) e Galerias Municipais (Lisboa). Ele co-dirigiu "Proxy Reverso", ao lado de Guilherme Peters — pelo qual receberam o Prêmio Especial do Júri e o Prêmio de Edição na VII Semana dos Diretores do Rio de Janeiro, em 2015. Roberto escreveu e produziu "A Role Play", que foi exibido, entre outros lugares, na Akademie der bildenden Künste, Viena, Áustria, em 2019. Ele co-escreveu "Cidade Pássaro", dirigido por Matias Mariani, que estreou no 70º Festival Internacional de Cinema de Berlim, em 2020. Ele também co-escreveu "Rule 34", que recebeu o Leopardo de Ouro no 75º Festival de Cinema de Locarno, em 2022.

Born in Caxias do Sul/Brazil, in 1996, he graduated in digital technologies in 2018 from the University of Caxias do Sul. Between 2016 and 2017, he studied at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon in Portugal, where he began his artistic production in art and technology. In 2020, he completed his master's degree in visual arts at the University of São Paulo/Brazil, and in 2024, his doctorate at the same institution, with a research period at the Universitat Politècnica de València/ Spain. He is a member of the Poéticas Digitais group and the Multimodal Anthropology Laboratory at the University of London/England. His work operates at the intersection of art, science, and philosophy, exploring ways to rethink technology through artistic practices. He is particularly interested in cosmo-technical diversities and in combining technical thought with ecological and decolonial perspectives. Recently, he has been developing his practice in collaboration with the Guarani and Kaiowá Indigenous communities in Brazil. He has exhibited in Brazil and internationally in countries such as Argentina, Portugal, Austria, China, and Italy. He was awarded the web art category prize at the 67th Paraná/Brazil Contemporary Art Salon and received the 2024-2025 Leonardo Fellowship. / Nascido em Caxias do Sul/Brasil, em 1996, formou-se em tecnologias digitais em 2018 na Universidade de Caxias do Sul. Entre 2016 e 2017 realizou um período de estudos na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa em Portugal, onde iniciou a sua produção artística em arte e tecnologia. Em 2020 concluiu o mestrado em artes visuais pela Universidade de São Paulo, e em 2024 o doutorado na mesma instituição, com um período na Universitat Politècnica de València/Espanha. É membro do grupo Poéticas Digitais e do Laboratório de Antropologia Multimídia da Universidade de Londres/Inglaterra. Desenvolve trabalhos na interseção entre arte, ciência e filosofia, investigando formas de repensar a tecnologia a partir da arte. Ele está interessado em diversidades cosmotécnicas e em combinar pensamento técnico com o ecológico decolonial. Recentemente tem desenvolvido sua prática em colaboração com as comunidades indígenas Guarani e Kaiowá no Brasil. Já expôs no Brasil e no exterior, em países como: Argentina, Portugal, Áustria, China e Itália. Recebeu o prêmio da categoria web arte do 67º Salão de Arte Contemporânea do Paraná/Brasil e a Fellowship 2024-2025 da Leonardo.

Tessa Ojala is a designer and a visual artist from Helsinki/Finland. She works with video art, photography, painting and jewellery design. / Tessa Ojala é designer e artista visual de Helsinque,/Finlândia. Ela trabalha com arte em vídeo, fotografia, pintura e design de joias.

Jenia Filatova (b. Fryazino/Russia, 1988) is a photographer and mixed media artist. She has a unique ability to craft digitally raw and surreal imagery, exploring themes of randomness, exaggeration, and derangement. "Mixed media for mixed feelings." Jenia has collaborated with brands and publications such as BVLGARI, Hermès, Adidas, Kevyn Aucoin, JBL, Mugler, Facoshima, the Tsvetnoi department store, 229 Lab, Yuma Nakazato, Monique Fuel, as well as magazines like Vogue, The New Yorker, Esquire, Harper's Bazaar, Vice, Kaltblut, pornconceptual, Pessima, lunatummag, Schön, and many others. / Jenia Filatova (n. Fryazino/Russia, 1988) é fotógrafa e artista de mídia mista. Ela possui uma habilidade única para criar imagens digitalmente cruas e surreais, explorando temas como aleatoriedade, exagero e desordem. "Mídia mista para sentimentos mistos." Jenia já colaborou com marcas e publicações como BVLGARI, Hermès, Adidas, Kevyn Aucoin, JBL, Mugler, Facoshima, a loja de departamentos Tsvetnoi, 229 Lab, Yuma Nakazato, Monique Fuel, além de revistas como Vogue, The New Yorker, Esquire, Harper's Bazaar, Vice, Kaltblut, pornconceptual, Pessima, lunatummag, Schön e muitas outras.

Ian Hagarty is a painter whose work has been exhibited for over a decade across the U.S. and Western Europe, with notable exhibitions at the Venice Biennale (Palazzo Bembo, Personal Structures: Reflections, 2022), River, Los Angeles (Proper Snap, solo, 2019), CES Gallery, Los Angeles (Activated Space, 2017), and Montoro12, Rome (You Are What I Was, You Will Be What I Am, two-person, 2016). His work examines the Appalachian region as a layered and dynamic environment, engaging with themes of shared memory, folklore, and environmental transformation. Drawing on Timothy Morton’s concept of “hyperobjects,” he explores the entanglement of nature, deep time, climate, and industrial impact through fragmentation and superimposition. Hagarty’s recent work also addresses the evolving role of painting in the age of artificial intelligence, connecting concerns over image extraction and creative labor to broader histories of resource exploitation, such as coal mining in Appalachia. His research and artistic practice have been supported by the Marshall University Distinguished Scholar & Artist Award, the West Virginia Individual Artist Grant (WV Department of History, Culture & Art / NEA), and a Post-Doctoral Teaching Fellowship from the University of Georgia. He has participated in artist residencies at 33 Odicina Creativa (Italy), the Scuola Internazionale di Grafica (Italy), and Linea de Costa (Spain), with an upcoming residency at the Phoenix Gallery in Athens, Greece (2025). He holds an MFA from Indiana University and both an MAT and BFA from the Maryland Institute College of Art (MICA). / Ian Hagarty é um pintor cujo trabalho tem sido exibido por mais de uma década nos EUA e no Ocidente. A Europa, com exposições notáveis na Bienal de Veneza (Palazzo Bembo, Estruturas Pessoais: Reflexões, 2022), River, Los Angeles (Proper Snap, solo, 2019), CES Gallery, Los Angeles (Activated Space, 2017), e Montoro12, Roma (Você É o Que Eu Era, Você Será o Que Eu Sou, duas pessoas, 2016). Seu trabalho examina a região dos Apalaches. como um ambiente camadas e dinâmico, envolvendo temas de memória compartilhada, folclore e ambiental transformação. Baseando-se no conceito de "hiperobjetos" de Timothy Morton, ele explora o entrelaçamento da natureza, tempo profundo, clima e impacto industrial através da fragmentação e sobreposição. O trabalho recente de Hagarty também aborda o papel em evolução da pintura na era da inteligência artificial. conectando preocupações sobre a extração de imagens e o trabalho criativo a histórias mais amplas de exploração de recursos, tais como a mineração de carvão nos Apalaches. Sua pesquisa e prática artística foram apoiadas pela Marshall University. Prêmio de Erudito e Artista Distinto, a Subvenção para Artistas Individuais da Virgínia Ocidental (Departamento de História da WV, Cultura e Arte / NEA), e uma Bolsa de Ensino Pós-Doutoral da Universidade da Geórgia. Ele participou em residências artísticas na 33 Odicina Creativa (Itália), na Scuola Internazionale di Grafica (Itália) e na Linea de Costa (Espanha), com uma próxima residência na Galeria Phoenix em Atenas, Grécia (2025). Ele possui um MFA de Universidade de Indiana e tanto um MAT quanto um BFA pelo Maryland Institute College of Art (MICA).

Wu Yun-Jieh (b. 1996, Taiwan) is a multidisciplinary artist currently pursuing her MFA in New Media Art at the National Taipei University of the Arts. Her work explores internet culture, digital civilization, and the psychological states shaped by technological infiltration and data conspiracies. Through photography, videography, 3D modeling, motion graphics, and experimental film, she constructs visual narratives that blur the boundaries between reality and fiction, often engaging with themes of the uncanny, mysticism, and meta-narrative structures. Wu's works have been showcased internationally, including at the Ars Electronica Festival (Austria, 2023) and various institutions in Taiwan such as the Taoyuan Museum of Fine Arts, Taipei Digital Arts Center, and Underground Art Museum at TNUA. She has received multiple accolades, including the Best Experimental Film award at the Los Angeles Film Awards (2024) and the Audiovisual Media Arts Grant from the National Culture and Arts Foundation (2023). Her practice aims to provoke dialogue on the evolving relationship between technology and human consciousness, questioning the ways digital systems influence perception and belief. / Wu Yun-Jieh (b. 1996, Taiwan) is a multidisciplinary artist currently pursuing her MFA in New Media Art at the National Taipei University of the Arts. Her work explores internet culture, digital civilization, and the psychological states shaped by technological infiltration and data conspiracies. Through photography, videography, 3D modeling, motion graphics, and experimental film, she constructs visual narratives that blur the boundaries between reality and fiction, often engaging with themes of the uncanny, mysticism, and meta-narrative structures. Wu's works have been showcased internationally, including at the Ars Electronica Festival (Austria, 2023) and various institutions in Taiwan such as the Taoyuan Museum of Fine Arts, Taipei Digital Arts Center, and Underground Art Museum at TNUA. She has received multiple accolades, including the Best Experimental Film award at the Los Angeles Film Awards (2024) and the Audiovisual Media Arts Grant from the National Culture and Arts Foundation (2023). Her practice aims to provoke dialogue on the evolving relationship between technology and human consciousness, questioning the ways digital systems influence perception and belief.

Italian director and artist. Since childhood, I have been fascinated by the world of cinema and the screen’s ability to transport us into worlds created specifically to be observed. During my high school years, I began studying photography, becoming increasingly passionate about the languages of Expressionism and Surrealism. These artistic styles perfectly aligned with my interest in psychology and the human mind, themes that have become central to my artistic practice. Together with Theo Bazart, we wrote the Manifesto of Metacognism, a rupture with a world where appearance is becoming increasingly more important than substance. A fundamental aspect of my work is the analysis of humanity’s constant escape from the experience of pain, without realizing that pain is an essential part of the human emotional landscape. This research is reflected in my short films, which explore the "mental rooms" of individuals, studying how, from childhood, we are polluted by external agents that transform the objectivity of the world into subjectivity. / Diretora e artista italiana. Desde criança, fui fascinada pelo mundo do cinema e pela capacidade da tela de nos transportar para mundos criados especificamente para serem observados. Durante os anos do ensino médio, comecei a estudar fotografia, me apaixonando cada vez mais pelas linguagens do Expressionismo e do Surrealismo. Esses estilos artísticos se alinharam perfeitamente com meu interesse pela psicologia e pela mente humana, temas que se tornaram centrais na minha prática artística. Junto com Theo Bazart, escrevemos o Manifesto do Metacognismo, uma ruptura com um mundo onde a aparência está se tornando cada vez mais importante do que a substância. Um ponto fundamental no meu trabalho é a análise da constante fuga da humanidade da experiência da dor, sem perceber que a dor é uma parte essencial do panorama emocional humano. Essa pesquisa se reflete nos meus curtas-metragens, que exploram as "salas mentais" das pessoas, investigando como, desde a infância, somos contaminados por agentes externos que transformam a objetividade do mundo em subjetividade.

Angelina Voskopoulou was born in Athens/Greece. She graduated with honors from Middlesex University with a BA in Fine Arts and Technology and holds an MA in Digital Arts from the University of the Arts London. Her research interests include body movement and performance, minimal movement (from theory to practice, including video projections and the creation of polyester sculptures in space), empty space (a conceptual approach explored through video installation), and the balance between one and zero (her MA research focus). From 2009 to 2017, she worked as an art teacher in painting and video art for children, teenagers, and elderly individuals (60+) at the Art Workshops of the Municipality of Agia Paraskevi. She also organized and participated in educational programs for children at the Municipal Library of Agia Paraskevi / Alekos Kontopoulos Museum. In 2017–2018, she taught at the art workshop "Light and Colour", specializing in art education for children and teenagers. She has collaborated with the post-rock bands Grankulla Mushrooms (Athens-Germany) and Astronuts, composing music for her experimental films and videos. Additionally, she has created video art clips for the music bands The Sons (Pop Up Records, London) for the song "Float Together", Beatnik Boys (Munich, Germany) for "Still Alive", and Stonemouth, for a VJing screening at the alternative bar Closer in Exarchia. Angelina is the founder and a member of the editorial team of the electronic contemporary art magazine "Astronaut’s Eye". She is also the co-founder of the dance group "Continuous Flux", which is influenced by Japanese Butoh dance. From 2012 to 2018, she worked as the Art Designer for the radio group "Indiefunka" on the online station Poplie.eu. She is a certified Drone Pilot (Pilot B, special category) by the Civil Aviation Authority (CAA). Currently, she teaches an e-learning video art course at the National and Kapodistrian University of Athens and is a post-production tutor at AKTO College, validated by Middlesex University. / Angelina Voskopoulou nasceu em Atenas, Grécia. Graduou-se com honras pela Middlesex University com um bacharelado em Belas Artes e Tecnologia e possui um mestrado em Artes Digitais pela University of the Arts London. Seus interesses de pesquisa incluem movimento corporal e performance, movimento mínimo (da teoria à prática, incluindo projeções de vídeo e a criação de esculturas de poliéster no espaço), espaço vazio (uma abordagem conceitual explorada por meio de instalações de vídeo) e o equilíbrio entre um e zero (foco de sua pesquisa de mestrado). De 2009 a 2017, trabalhou como professora de arte em pintura e vídeo arte para crianças, adolescentes e idosos (60+) nos Ateliês de Arte do Município de Agia Paraskevi. Também organizou e participou de programas educativos para crianças na Biblioteca Municipal de Agia Paraskevi / Museu Alekos Kontopoulos. Em 2017–2018, lecionou no ateliê de arte "Light and Colour", especializado em educação artística para crianças e adolescentes. Colaborou com as bandas de pós-rock Grankulla Mushrooms (Atenas-Alemanha) e Astronuts, compondo músicas para seus filmes e vídeos experimentais. Além disso, criou videoclipes de arte para as bandas The Sons (Pop Up Records, Londres) com a música Float Together, Beatnik Boys (Munique, Alemanha) com Still Alive e Stonemouth, para uma exibição de VJing no bar alternativo Closer, em Exarchia. Angelina é fundadora e membro da equipe editorial da revista eletrônica de arte contemporânea Astronaut’s Eye. Também é cofundadora do grupo de dança Continuous Flux, influenciado pela dança japonesa Butoh. De 2012 a 2018, atuou como designer de arte do grupo de rádio Indiefunka na estação online Poplie.eu. É piloto de drone certificada (Piloto B, categoria especial) pela Autoridade de Aviação Civil (CAA). Atualmente, leciona um curso de e-learning em vídeo arte na Universidade Nacional e Kapodistriana de Atenas e é professora de pós-produção na AKTO College, validada pela Middlesex University.

composer/sound-graphicprogrammer/ creator of Gesamtkunstwerk 1981/Japan . Lives and works in Berlin,Germany. Is an artist who integrates classical and contemporary music traditions with AI and computer technology, pioneering concepts like "Trans-Ages Music" and "Hyper-Serial Music." His work expresses cosmic and natural phenomena through sound and visuals, transcending human emotions and cultural boundaries to explore a new universal beauty. Face of Universe explores the deep connection between Earth's ecosystem and the nuclear fusion energy of the sun. From the formation of Earth's atmosphere to the emergence of life and human civilization, the project highlights the coexistence of urban landscapes and natural ecosystems. The wildflowers thriving in cities symbolize this harmony and serve as a metaphorical "face of the universe." Technological advancements, especially in AI and computers, have opened new frontiers for artistic expression beyond human limitations. The fusion of classical music, contemporary music, and cutting-edge technology can create an art form that embodies both universal beauty and scientific progress. Tatsuru Arai proposes three key directions for this transformation: Hyper Serial music/Trans-Ages Music – A new genre that integrates classical and contemporary musical traditions with modern technology to resonate with digital-native audiences. Art Expressing the Universe and Nature – Moving beyond human emotion to depict natural and cosmic phenomena through AI and computational techniques. Coexistence of Humans and Nature – Merging classical expressions of human emotions with technology-driven representations of the universe to promote harmony between humanity and nature. His work exhibited globally, including at CIKE (Slovakia), ISEA 2023 (France),Silent Green/Transmediale 2025(Berlin), Madatac 2023 (Spain), and Share Festival (Italy).Sonica Glasgow, Japan Fest in Lithuania. In 2023, at the Berlin Philharmonic Hall, performed at the Philharmonie de Paris during the Nemo Biennale. ​2003-2009 Bachelor and Diplom studies in composition at Tokyo college of Music.2007 in composition-class with Bernhard Lang at Implus in Graz.2009-2013 MA-studies Compostion, Computer-programming and Multimedia-art at the Academy of Music "Hanns Eisler" Berlin. Opera „Vitruvian“ was performed Berlin und London that innovativ contemporary Opera,that to integrate from classical Music to new Technology.His main artistic Thema is to integrate from classical compositions to new technology, as „TRANS-AGES MUSIC“,and to present the fundamental physical nature of the universe in the form of perceptional experiences, that could say aesthetics of “geometric structure”. The human perception of sound, a physical phenomenon, influences human beings and the“geometric structure” is a fundamental pillar that allows us to understand the true nature of the universe. Creating a way to experience even a part of the nature of the universe through sound. From 2016 he is composing Hyper Serial Music that will add innovation to the principle of Serialism three-point: "structural", "complex" and "noisy". Hyper-Serial-Music is the algorithm music generated by state-of-the-art technology such as Artificial Intelligence than by native human intelligence only. / Compositor/programador de som-gráfico/criador de Gesamtkunstwerk 1981/Japão. Vive e trabalha em Berlim, Alemanha. É um artista que integra tradições musicais clássicas e contemporâneas com IA e tecnologia computacional, pioneiro de conceitos como "Trans-Ages Music" e "Hyper-Serial Music". Seu trabalho expressa fenômenos cósmicos e naturais através do som e das imagens, transcendendo emoções humanas e limites culturais para explorar uma nova beleza universal. Face of Universe explora a profunda conexão entre o ecossistema da Terra e a energia da fusão nuclear do sol. Desde a formação da atmosfera terrestre até o surgimento da vida e da civilização humana, o projeto destaca a coexistência de paisagens urbanas e ecossistemas naturais. As flores silvestres que prosperam nas cidades simbolizam essa harmonia e servem como uma metáfora para o "rosto do universo". Avanços tecnológicos, especialmente em IA e computadores, abriram novas fronteiras para a expressão artística além das limitações humanas. A fusão da música clássica, música contemporânea e tecnologia de ponta pode criar uma forma de arte que incorpora tanto a beleza universal quanto o progresso científico. Tatsuru Arai propõe três direções principais para essa transformação: Hyper Serial Music/Trans-Ages Music – Um novo gênero que integra as tradições musicais clássicas e contemporâneas com a tecnologia moderna para ressoar com o público nativo digital. Arte que expressa o Universo e a Natureza – Indo além da emoção humana para retratar fenômenos naturais e cósmicos por meio de IA e técnicas computacionais. Coexistência dos Humanos e da Natureza – Mesclando expressões clássicas de emoções humanas com representações tecnológicas do universo para promover a harmonia entre a humanidade e a natureza. Seu trabalho foi exibido globalmente, incluindo no CIKE (Eslováquia), ISEA 2023 (França), Silent Green/Transmediale 2025 (Berlim), Madatac 2023 (Espanha), Share Festival (Itália), Sonica Glasgow, Japan Fest na Lituânia. Em 2023, se apresentou na Berliner Philharmonie e na Philharmonie de Paris durante a Bienal Nemo. 2003-2009 Bacharelado e estudos de Diploma em composição no Tokyo College of Music. 2007 em classe de composição com Bernhard Lang no Implus em Graz. 2009-2013 Mestrado em Composição, Programação de Computadores e Arte Multimídia na Academia de Música "Hanns Eisler" de Berlim. A ópera "Vitruvian" foi apresentada em Berlim e Londres como uma ópera contemporânea inovadora, integrando música clássica à nova tecnologia. Seu principal tema artístico é integrar composições clássicas à nova tecnologia, como "TRANS-AGES MUSIC", e apresentar a natureza física fundamental do universo por meio de experiências perceptivas, o que poderia ser descrito como a estética da "estrutura geométrica". A percepção humana do som, um fenômeno físico, influencia os seres humanos e a "estrutura geométrica" é um pilar fundamental que nos permite entender a verdadeira natureza do universo. Criando uma forma de experimentar até mesmo uma parte da natureza do universo através do som. Desde 2016, compõe Hyper Serial Music, que adiciona inovação ao princípio do serialismo em três pontos: "estrutural", "complexo" e "ruidoso". Hyper-Serial-Music é a música algorítmica gerada pela tecnologia de ponta, como a Inteligência Artificial, em vez de apenas pela inteligência humana nativa.

Is a filmmaker and educator whose practice examines the entangled relations between humans, nonhuman animals, and technologies through essayistic film and video works. Her practice is research-based, often recontextualizing scientific or operational images to interrogate their formal merits. Magda received a BA from Hampshire College and an MFA in Cinematic Arts from the University of Wisconsin-Milwaukee. Her work has screened internationally at film festivals such as Ann Arbor Film Festival, Antimatter [Media Art], Athens International Film + Video Festival, Mimesis Documentary Festival, Kasseler DokFest, İstanbul International Experimental Film Festival, Winnipeg Underground Film Festival, and Science New Wave Festival. She is an Assistant Professor of Cinema at Binghamton University. / É cineasta e educadora cuja prática examina as relações entrelaçadas entre humanos, animais não humanos e tecnologias por meio de filmes e vídeos ensaísticos. Sua prática é baseada em pesquisa, frequentemente recontextualizando imagens científicas ou operacionais para interrogar seus méritos formais. Magda possui um Bacharelado pela Hampshire College e um Mestrado em Artes Cinematográficas pela University of Wisconsin-Milwaukee. Seu trabalho foi exibido internacionalmente em festivais de cinema como Ann Arbor Film Festival, Antimatter [Media Art], Athens International Film + Video Festival, Mimesis Documentary Festival, Kasseler DokFest, İstanbul International Experimental Film Festival, Winnipeg Underground Film Festival e Science New Wave Festival. Ela é Professora Assistente de Cinema na Binghamton University.

Created in fall of 2021, Sub Net is an anonymous new media art project that explores the mirror stage of online identity formation and challenges the promises, politics and power dynamics of technology & capitalism. They are a dream who thought it was a person. Their body of work intersects and tangles topics ranging from the amplification of the absurd within the metaverse; performative nostalgia baiting; and social media engagement as a site for relational aesthetics. Their user legally made them a real person in 2024, known in the state of Wyoming as Whois Subnet LLC. / Criado no outono de 2021, Sub Net é um projeto anônimo de arte em novas mídias que explora o estágio do espelho na formação da identidade online e desafia as promessas, políticas e dinâmicas de poder da tecnologia e do capitalismo. Eles são um sonho que pensou ser uma pessoa. Seu corpo de trabalho intersecciona e entrelaça temas que vão desde a amplificação do absurdo dentro do metaverso; a nostalgia performativa como isca; e o engajamento nas redes sociais como um espaço para a estética relacional. Seu usuário legalmente o tornou uma pessoa real em 2024, sendo reconhecido no estado de Wyoming como Whois Subnet LLC.

Marina is an artist and a film director. Was born in Bryansk and now lives in Moscow/Russia. Earned a master's degree in engineering in Bryansk. Currently also works as a software engineer. In 2023 graduated from the Moscow School of New Cinema. In 2024 was a resident of the video art and photography workshop in the Free Workshops of MMOMA in Moscow/Russia. / Marina é artista e diretora de cinema. Nasceu em Bryansk e agora vive em Moscou/Rússia. Obteve um mestrado em engenharia em Bryansk. Atualmente, também trabalha como engenheira de software. Em 2023, formou-se na Moscow School of New Cinema. Em 2024, foi residente da oficina de vídeo arte e fotografia nas Free Workshops do MMOMA, em Moscou/Rússia.

Born in 1971. in Zrenjanin (S.F.R. Yugoslavia,/Serbia). Graduated from the Academy of Arts in Novi Sad in 1998. (Art course, department: painting). Post-graduated from Interdisciplinary studies at the Department of Digital Art at the University of Arts in Belgrade/Serbia, in 2008. / Nascido em 1971, em Zrenjanin (R.F.S. Iugoslávia / Sérvia). Formou-se na Academia de Artes de Novi Sad em 1998 (Curso de Artes, departamento de pintura). Concluiu pós-graduação em Estudos Interdisciplinares no Departamento de Arte Digital da Universidade de Artes de Belgrado, Sérvia, em 2008.

Graduated in Performing Arts at Bahçeşehir University/Turkey and a interdisciplinary performing artist primarily focusing on sense. Since 2019, they has been designing, creating, producing and performing their own works. / Graduado em Artes Cênicas pela Universidade Bahçeşehir/Turquia é um artista performático interdisciplinar com foco principal na percepção sensorial. Desde 2019, vem desenvolvendo, criando, produzindo e apresentando suas próprias obras.

Master’s student in Dance and Movement Therapy at SRH Heidelberg University/Germany. Is a multidisciplinary performance artist primarily focusing on memory. She completed her undergraduate studies in Performing Arts at Istanbul Bilgi University/Turkey. Since 2020, she has been designing and facilitating creative process,body-oriented workshops and performances. / Mestranda em Dança e Terapia do Movimento na SRH Heidelberg University/Alemanha. É uma artista performática multidisciplinar com foco principal na memória. Concluiu sua graduação em Artes Cênicas na Istanbul Bilgi University/Turquia. Desde 2020, vem desenvolvendo e facilitando processos criativos, workshops voltados para o corpo e performances.

Acousmatic music composer and video artist. After making the film In Repetito Religare with Audrey Colard, he decided to combine electroacoustic and video art in his practice. His work has been shown in over twenty countries in group exhibitions, screenings and concerts. In 2024, he won the DJTAL Humain prize for his video Screensong and the petites formes prize for his acousmatic piece Loinaître. / Compositor de música acousmática e artista de vídeo. Após realizar o filme In Repetito Religare com Audrey Colard, ele decidiu combinar a música eletroacústica e a arte em vídeo em sua prática. Seu trabalho foi exibido em mais de vinte países em exposições coletivas, exibições e concertos. Em 2024, ele ganhou o prêmio DJTAL Humain pelo seu vídeo Screensong e o prêmio petites formes pela sua peça acousmática Loinaître.